* 아시다시피, 깁니다. 읽다 지치지 마시고 잘 판단하고 결정하세요.

　SBS '일요일이 좋다‘의 ’X맨‘은 음악 프로그램이다. 메인스트림의 가수들은 대부분 이 프로그램에 출연하고, 음악 프로그램 이상의 춤과 노래를 보여준다. ’X맨‘에서는 이민우-장우혁의 합동 무대나 유노윤호의 솔로 댄스를 볼 수 있고, 환희, 테이, 김종국등이 자신들의 히트곡은 물론 온갖 명곡들을 MR도 없이 생 라이브로 부르는 것도 볼 수 있다. 왜 ’X맨‘이 가요프로그램보다 더 볼거리가 많을까. 그건 단지 ‘X맨’의 시청률이 높기 때문만은 아니다. 중요한 건 ‘X맨’이 현재 가요계에서 할 수 있는 어떤 역할이다. 3~4분동안 별다른 특징 없는 노래 한곡 부르는 것 보단 1분이라도 자신의 매력이 뭔지 보여주는 게 더 효과적이다. 그리고 마치 리얼리티 쇼같은 프로그램 속에서 드러나는 가수들의 사적인 성격과 가요 프로그램에서는 미처 보여주지 못했던 특기들이 더해져 대중에게 그의 매력이 무엇인지 보여준다. 이것은 곧 그 가수의 ‘캐릭터’를 만들고, 대중은 그들의 캐릭터를 알고 있는 상태에서 그들의 음악을 감상한다. 단적인 예로 더 빨강의 배슬기는 데뷔 당시 추소영과 오승은 사이에서 춤추는 신인일 뿐이었다. 그러나 ‘X맨’과 비슷한 성격의 SBS '실제 상황 토요일‘의 ’리얼 로망스 연예편지‘에서 ’복고댄스‘를 보여주면서 순식간에 관심의 대상이 됐다. 그 때부터 대중은 자연스레 ’복고댄스 배슬기‘에 시선을 두기 시작한다.

 가요계를 지배한 X맨

 물론, 음악 프로그램을 통해서도 캐릭터를 만들 수도, 더 나아가 인기를 얻을 수도 있다. 하지만 현재 음악계에서 캐릭터에 상관없이 노래만으로 인기를 얻고, 그것이 곧 가수의 캐릭터로 이어지는 것은 희귀한 경우(예를 들면 MC THE MAX의 ‘사랑의 시’같은)다. 그 외에는 순식간에 가요계에서 밀려난다. 요즘 대중들은 한 가수가 음악과 무대만으로 자기 캐릭터를 만들기까지의 시간을 기다려주지 않기 때문이다. 서태지와 아이들이나 HOT의 시대에는 캐릭터란 곧 음악적인 컨셉을 의미했다. ‘난 알아요’에서 ‘하여가’로, ‘전사의 후예’에서 ‘캔디’로. 대중들은 인기 가수가 어떤 장르와 어떤 스타일로 나올지 관심을 집중했고, 그들의 무대가 곧 그들의 캐릭터였다. 그래서 가수의 인기몰이는 선주문량 - 가요 프로그램 첫 출연 - 오락 프로그램 순이었다. 선주문량으로 일단 바람몰이를 하고, 가요 프로그램을 통해 대중의 시선을 집중시키며, 오락 프로그램을 통해 그 외의 대중들에게 자신을 각인시키는 작업을 했다. 그만큼 대중은 그들이 음악으로 자기 캐릭터를 설득하는 기간을 기다려줬고, 그것이 자신에게 좋다고 판단되면 그 때부터 호응을 보내는 것이 일반적이었다. 그래서 초반에 음악에 관한 논란이 있더라도 고정 팬층을 중심으로한 활발한 홍보로 기어이 밀리언 셀러를 달성한다든가, 타이틀곡은 저조해도 후속곡의 성공으로 인기 가수 반열에 오르는 것이 일반적이었다.

 그러나, 현재의 대중은 노래 한곡에 그만큼의 시간을 투자하지 않는다. 처음 들었을 때 확 ‘꽂히지’ 않으면 그걸로 끝이다. 왜 그런지는 명확하지 않다. 하지만 음악 한곡 듣는 동안에도 쉴 새 없이 휴대폰과 인터넷을 사용하고, CD를 사서 듣는 것 말고도 돈 쓸 일이 많은 요즘, 오직 음악 감상만을 위해 돈과 시간을 쓰는 일이 줄어드는 건 분명하다. 그래서 음악을 들을 수 있는 통로는 많아졌지만, 대중이 음악을 직접 찾아서 듣는 일은 오히려 줄어든다. 그래서 가수들은 노래를 발표하자마자 대중에게 이 곡이 왜 매력적인지, 어떤 부분에 포인트를 맞춰야할지 확실히 보여줘야 한다. ‘X맨’이 만들어내는 가수의 캐릭터는 바로 그 포인트를 짚어준다. ‘X맨’으로 통해 캐릭터가 만들어지면, 대중은 그들이 들고 나온 신곡에도 쉽게 친숙함을 느끼고, 그 가수의 어떤 부분에 집중해야할지 알게 된다. 앞서 언급한 것처럼, 배슬기의 오락 프로그램 활동 이후 더 빨강이 배슬기 중심으로 보이게 되는 것이다. 김종국도 마찬가지다. 부드러운 남성의 이미지가 스며든 ‘사랑스러워’의 인기에는 'X맨‘을 통해 만들어진 김종국의 다정다감한 모습이 전제되어 있다. 물론 한 곡이 성공하는데는 노래의 매력이 중요하지만, 그것만으로는 성공하기 힘든 것이다.

 꼭 ‘X맨’이 아니더라도, 메이저 기획사는 소속 가수의 음원을 내놓는 순간 이미 게임에 대한 준비를 마쳤다고 해도 좋을 정도로 대중에게 그들의 캐릭터를 각인시키고, 그 음악을 들어야 할 이유를 알려줘야 한다. SG워너비나 동방신기를 보라. 음악적인 성격은 정 반대지만, 그들이 뮤직비디오와 매스미디어를 통한 홍보로 데뷔 전부터 자신들의 성격을 확실히 했다는 점은 똑같다. SG워너비는 화려한 뮤직비디오 캐스팅을 통해 대중에게 기대감을 심었고, 그들의 음악은 당시 트랜드를 따른 미디엄 템포의 R&B로, 그들을 가창력있는 보컬 그룹으로 포지셔닝할 수 있었다. 그래서 SG워너비는 이런 류의 음악을 듣기 원하는 대중에게 믿고 구매할 수 있는 그룹으로 선택받을 수 있었다. 동방신기도 마찬가지였다. 그들은 SM에서 오FOT만에 내놓는 보이밴드라는 이유만으로도 상당한 관심을 모았고, 그들의 첫 번째 뮤직비디오 ‘Hug'는 그룹으로서 그들의 캐릭터를 완벽하게 창조했다. 10대 아이돌이긴 하되, 과거처럼 카리스마나 춤으로 승부하기 보다는 가창력을 바탕으로하고, 보다 부드러운 이미지로 다가서면서 20대의 입장에서는 동생처럼 사랑스럽고, 10대에겐 정말 남자친구 삼고 싶은 아이돌 그룹이 탄생한 것이다.

 그만큼 현재 대중음악계는 유래 없을 정도로 기획사의 배경과 매스미디어의 중요성이 커졌다. 매스미디어를 통해 자신을 홍보할 수 있는 가수와 그렇지 못한 가수들 사이에 이미 승부가 갈리고, 거기서 ‘X맨’ 출연이나 뮤직비디오 프로모션을 할 수 있는 가수와 그렇지 못한 가수, 더 나아가서는 자기 컨셉을 만들 수 있는 가수 / 기획사와 그렇지 못한 쪽이 나뉜다. 기적이 일어나지 않는한, 2006년 현재는 음악만 좋다고 해서 아무것도 해결되지 않는다. 대중이 음악 한 곡을 듣기까지, 더 나아가서는 그 곡을 좋다고 느낄 때까지의 과정에는 그 음악을 보다 명확하게 설명해줄 이미지가 있어야 하고, 그 이미지는 대중에게 그것이 왜 매력적인지 단번에 설명해줄 수 있는 임팩트가 있어야 한다. 적어도 메인스트림 음악씬에서 음악은 음악인 동시에 마케팅이다. 물론 옛날에도 그랬지만 지금은 더욱 그렇다. 순수한 음악만으로 밀어붙이는 장기전이란 없다. 모든 건 단칼 승부다. 그건 영화가 점점 개봉 1~2주 성적으로 모든 것이 판가름나는 것과 비슷(‘청연’이 개봉전부터 이미 실패가 예상됐던 이유를 생각해보라)하다. 슬프지만, 만약 이 시스템 외부에서 독립운동 하려는 게 아니라면 싸워도 이 시스템 안에서 싸워야 한다.

 음악이 문제가 아니었지

 이민우, 혹은 M의 1집 ‘Untouchable'(필자의 앨범은 FREESTYLE버전이었다)에 대한 아쉬움은 거기서 기인한다. 당시 그는 거의 음악만으로 앨범의 성패를 결정지어야할 상황이었다. 그의 팬들을 제외하면, 그는 대중에게 ‘신화의 춤 잘추는 멤버’였을 뿐이다. 신화가 지금처럼 ’엔터테이너 집단‘도 아니었고, 가수의 연기 출연이 막 활발해지던 시기였으며, 지금처럼 커플 프로그램들의 출연 기간이 지금처럼 몇 개월씩 이어지는 경우도 드물었던 상황에서 이민우가 앨범 발매와 함께 자기 캐릭터를 만들기란 쉬운 일이 아니었다. 그리고 그 때 이민우는 당시 프로모션에 있어 몇가지 실수를 저지른다. 당시 음악계는 음반에서 싱글 중심으로 시장이 넘어가는 상황이었고, 그 때 각광받던 프로모션중 하나가 CF를 통한 음원 홍보였다. 실제로 성시경의 ’우린 제법 잘 어울려요‘가 CF를 통해 성공한 것도 그 해 였다. 그러나, 이미 정병기가 쓴 M의 1집리뷰에서 지적했듯, 그는 그 해 최고의 인기 CF였던 ’메가패스‘에 자신의 곡을 실었음에도 불구하고 그것을 적극적으로 홍보하지 않았다. 최소한 광고에 자신이 만들었음을 표시하는 자막이라도 넣었다면 사람들은 그를 댄서가 아닌 ‘뮤지션’으로 받아들이기 시작했을 것이다. 또  그는 자신의 춤 솜씨를 보여줄 수 있는 곡들 대신 미디엄 템포의 R&B곡 ‘Just one night’을 타이틀로 선정했다. 물론 이는 보컬리스트로서 이민우의 역량을 보여줄 수 있는 방법이었지만, 'Just one night'은 이민우에 대한 대중의 고정관념을 깰 수 있을 정도로 폭발적인 가창력이 과시될 스타일은 아니었다. 또한 뮤직비디오속의 이민우 역시 그의 캐릭터를 보여주기 보다는 뮤직비디오 속에서 러브씬을 연출하는 ‘멋진 남자 주인공’일 뿐이었다. 노래와 뮤직비디오가 이민우의 캐릭터를 더 명확하게 드러낸 것이 아니라, 오히려 이민우가 부르고 출연했기 때문에 노래와 뮤직비디오가 알려지는데 그친 것이다.

 퀄리티가 좋은 앨범

 그러나, 보다 근본적인 문제는 ‘Just one night'을 타이틀곡으로 내세울 수 밖에 없었던 음반 내적인 상황에 있었다. 음악적인 성격이나 완성도로나, 이민우의 타이틀곡으로 어울리는 건 ’Punch'였다. 이 노래는 1집에서 ‘Option'과 함께 가장 강력한 비트를 가졌고, ’메가패스‘ CF에서 그 비트가 사용되어 이미 귀에 익숙한 곡이었다. 게다가 이민우가 직접 작/편곡을 한 곡이니 그의 뮤지션적인 이미지를 만들어내는데도 최상의 선택이 될 수 있었다.

 그러나, ’Punch'는 ‘절대로’ 타이틀곡이 될 수 없었다. 이 노래의 주인은 이민우지만, 이 노래를 통해 만들어지는 ‘무대’의 주인공은 에릭이 될 것이기 때문이다. ‘Punch'의 후렴구 멜로디는 비트만큼 강한 느낌은 아니다. 오히려 이민우는 코러스와 함께 멜로디를 교차시키며 부드러운 느낌을 내는데 주력한다. 심지어 2절 후반부까지도 ’That's right / 잊지 못하게 만들겠어....‘처럼 음정을 더 이상 높이지 않고 부드럽게 멜로디를 끌고 나간뒤, 브릿지 역할을 하는 ’언제까지 날 괴롭혔던... 내 앞에서 시작해‘ 부분에서도 보컬의 힘을 빼고 곡을 부드럽게 잇는데 주력한다. 그에 이어 확실한 한 방을 치는 게 에릭이다. 에릭의 랩은 계속 강하고 빠르게 달리고, ’합죽이‘, ’Livin' da vida loca'처럼 순간적으로 임팩트를 강하게 넣는 부분까지 연출하며 그의 랩을 곡의 하이라이트로 만든다. 그건 단지 에릭이 랩을 잘해서가 아니라, 곡 자체가 이민우가 분위기를 끌어올리면 에릭이 끝내는 구성으로 되어 있기 때문이다.

 물론 ‘Punch'를 음반으로 들었을 때 이는 전혀 문제되지 않는다. 하지만 무대위에서는 다르다. 개인의 역량을 최대한 보여줘야 할 타이틀곡에서 다른 사람이 가장 화려한 순간을 장식하는 건 솔로 활동을 안 하겠단 것과 똑같다. 그는 작곡가/프로듀서로서는 ’Punch'를 멋지게 만들어내는데 성공했지만, 변화하는 시장 상황에서 앨범을 팔아야 하는 기획자나 혼자 무대에 올라가야할 가수로서는 좋은 선택을 못했다. 이는 1집 전체의 문제였다. 1집에는 대중이 ‘음반’을 사도록 만드는 이민우만의 임팩트있는 캐릭터를 만들 수 있는 타이틀곡이 없었다. 이 앨범의 대부분의 곡들은 훅이나 후렴구가 이민우보다는 오히려 다른 코러스 보컬들에 의해 꾸며진다. ’처럼‘이나 ’...없게 만들어요‘는 여성 보컬이 곡의 가장 중요한 멜로디를 부르고, 메틀기타 리프를 연상케하는 독특한 비트의 ’Option'역시 훅 멜로디는 코러스에 의해 처리된다. 휘성이 ‘With me'부터 보여준 방식처럼 아예 코러스를 밑에 깔고 보컬이 강하게 밀고 나간다면 모를까, 코러스와 보컬이 주고 받는 방식은 무대 위에서는 그 주고받는 과정이 허전해보이고, 곡의 멜로디 자체가 단조롭게 반복되는 식이어서 타이틀곡에서 요구하는 강한 임팩트가 부족하다.

 그나마 임팩트있는 멜로디를 보컬이 직접 소화하는 곡은 ’Un-touch-able'이다. 이 곡은 코러스와 이민우가 번갈아 노래를 부르긴 하지만 2분 37초경의 ‘돌이킬 수 없다고...’부분처럼 원래 코러스가 부르던 부분을 이민우가 부르며 다음 부분까지 이어지는 것이 자연스럽게 들릴 만큼 이민우가 모든 멜로디를 소화할 수 있다. 특히 이 곡에서 이민우의 보컬은 다른 곡들과 달리 후렴구 뒤에 이어지는 ‘....이런 말들을...’에서 확실히 확인할 수 있듯 굉장히 힘을 주며 노래를 불러 자신이 직접 곡을 절정으로 이끌고, 후반부의 ‘baby listen to me...'같은 부분처럼 자신의 가창력을 최대한 보여주는 부분도 등장한다. 하지만 이 곡은 이민우가 성공적으로 활동을 한다 해도 2집의 ‘Girl Friend'처럼 두 번째 싱글이 될 수 밖에 없었다. 곡의 템포가 느려서 춤이 아예 불가능하기 때문이다.

 그래서 1집의 타이틀은 ’Just One Night'일 수 밖에 없었다. 춤을 추는데 약간의 제약이 따르지만, 이 곡은 이민우가 무대 중심에 설 수 있게 만든다. 차분히 감정을 쌓아가다가 후렴구인 ‘내게 허락된 시간 / 하루뿐만 이라도 / 그 추억만으로도 러빙유’에서 보컬에 더 힘을 주면서 자신에게 무대가 집중될 수 있도록 임팩트를 만들어낼 수 있다. 또한 곡 후반부에서 후렴구 뒤에 ‘너를 그리워 했던 만큼 / 나 혼자 꾼 꿈은 아닌지 / 잠든 널 바라보네 소중한 너의 모습...’을 통해 자신의 가창력을 확실히 보여주며 무대 위에서도 온전히 자신의 힘으로 곡을 클라이막스로 올릴 수 있다. ‘Just One Night'은 완성도를 떠나 대중에게 쉽게 각인 될 수 있고, 그것을 이민우가 직접 보여줄 수 있다는 점에서 타이틀에 적합하다. 그러나, 이는 상대적인 이야기일 뿐 ‘Just One Night'역시 이민우의 캐릭터를 대중에게 전달하기엔 부족하다. 미디엄 템포의 곡에서 이민우 특유의 현란한 안무가 발휘되긴 힘들었고, 이민우의 보컬이 가진 장점을 전달하기에도 애매했다.

 물론, 이민우가 이런 부분을 예상하지 않았을 거라고 생각하진 않는다. 이민우는 자신의 무대에 앞서 ‘프로듀서’의 관점에서 1집이 앨범 전체적으로 어필할 수 있기를 바란 것처럼 보인다. 그것은 이 앨범이 전체적으로 일관성있는 방향을 보여줄 뿐만 아니라, 타이틀곡이 명확하지 않다는 것을 제외하면 모든 곡이 고른 완성도를 보여주기 때문이다. 그는 무대에서 자신을 부각시키는 부분보다는 곡 안에서 자신이 할 수 있는 부분들, 그리고 타인이 더 잘할 수 있는 부분을 결합하고, 거기서 음악적으로 가장 좋은 결과를 도출할 수 있는데 집중했다. 실제로 이민우는 대중적인 멜로디가 어떤 것인지 잘 알고 있었다. ‘처럼’과 ‘Option', ’...없게 만들어요‘의 훅 멜로디를 들어보라. ’... 처음처럼 바로 지금처럼 믿을 수 없는 기적처럼‘같은 ’처럼‘의 훅은 경쾌하게 리듬만을 타는 이민우의 멜로디와 대조적으로 여성 코러스의 목소리가 뒤로 갈수록 점점 뻗어나면서 끝없이 상승하는 듯한 느낌을 부여하고, 후반부에 이르러서는 그 멜로디에 신디사이저와 이민우의 보컬이 더해지면서 그 즐겁고 힘찬 느낌을 극대화시킨다. 또 ’처럼‘의 ’환상은 필요없어...‘의 멜로디는 처음부터 강하게 치고 들어오며 확실한 임팩트를 주고, ’....없게 만들어요‘의 ’그대 눈길은 너무나 / 차가워서 / 내가 닿을 수 조차 / 없게 만들어요‘의 멜로디는 미디엄 템포 안에서 ’그대 눈길은 너무나‘에서 치고 들어오고, ’내가 닿을 수 조차‘에서 살짝 분위기를 내린 뒤, ’없게 만들어요‘에서 다시 뻗어 나가면서 짧은 시간안에 확실한 기승전결을 연출한다.

 하지만 이민우는 이런 멜로디를 자신이 소화하기 보다는 코러스에게 맡기고, 자신은 그 훅 멜로디를 잇는 역할에 주력한다. 그래서 그는 자신의 가창력을 과시하기 보다는 보컬을 곡의 성격에 맞추려 노력한다. ’Punch'와 ‘처럼’, 그리고 ‘....없게 만들어요’에서 이민우의 보컬을 각각 비교해보라. ‘Punch'에서 그는 에릭에게 하이라이트를 넘겨주고, 그 사이에서 부드럽게 곡의 흐름을 조절한다. 반면 ’처럼‘은 경쾌하지만 조금 더 보컬에 힘을 주며 가벼울 수도 있는 곡의 흐름에 임팩트를 준다. 또한 ’...없게 만들어요‘에서는 보다 확실하게 음을 ’눌러‘ 주면서 자신의 파트에도 호소력을 주려하고 있다. 1집에서 이민우는 자신이 두드러지는 것보다 최대한 사운드의 조화를 중시했다.

  이 앨범의 보컬 녹음은 이를 단적으로 보여준다. 이민우의 보컬은 앞에 튀어나오는 대신 약간의 울림을 가지고, 조금 뒤에서 다른 사운드와 같이 조화된다. 다른 댄스 앨범들이 브릿지 부분에서 보컬의 가창력만으로 곡의 분위기를 확 끌어올리며 곡을 절정으로 이끄는 대신 그 부분에서 곡의 흐름이 튀게 되는 경우가 많다면, 이민우의 1집은 보컬까지 다른 사운드와 섞으면서 각각의 사운드가 자연스럽게 이어지도록 만들었다. ‘Punch'에서 ’언제까지 내곁에...‘에 이어 에릭의 랩으로 이어지는 부분이나, ’One in a million'에서 브릿지를 처리하는 방식을 보라. ‘Punch'에서는 앞부터 쭉 이어진 코러스를 통해 곡을 자연스럽게 잇고, 이민우의 보컬도 힘을 빼면서 곡의 흐름을 거스르지 않으며 에릭에게 하이라이트를 넘겨준다. 또 ’One in a million'에서는 멜로디를 끌어올리는 ‘더 이상 머뭇대지 않겠어...’에서 이민우의 보컬이 조금 더 뒤로 물러나 넓게 퍼지면서 곡을 부드럽게 이어주고, 건반을 깔아 보컬의 분위기를 더욱 살린다. 특히 그 뒤에 곧바로 후렴구를 등장시켜 멜로디를 반복 강조하는 것이 아니라 블루스 기타로 곡의 흐름을 이어가는 구성은 이민우가 대중에게 쉽게 다가서는 멜로디보다는 곡의 전체적인 짜임새를 중시했다는 것을 보여준다.

 ‘One in a million'의 기타 연주는 곧 앨범 프로듀서로서 이민우의 야심을 보여준 것이기도 하다. 그는 이 앨범을 단지 화끈한 댄스나 윤기나는 R&B로 만드는 대신, 보다 고급스러운 사운드와 장르의 전형성을 넘어 자신의 어떤 감수성을 표현하려 했던 듯 하다. ‘One in a million'의 블루스적인 기타연주나 이민우의 보컬 없이 블루스 기타(심지어 솔로까지 등장하는)와 리듬 프로그래밍만으로 이뤄진 앨범의 히든 트랙은 당시 이민우의 음악적 관심이 어디 있었는지 보여준 것이라 할 수 있다. 그는 대중이 쉽게 받아들일 수 있는 장르적 특질 아래에 펑크(funk) / 블루스(Blues) 기타등을 깔면서 보다 섬세하게 자신의 감수성을 전달하려 했다.

 Untouchable VS IInd Winds

 이는 앨범의 섬세한 사운드에 반영된다. 흔히 이런 리듬 중심의 댄스, 혹은 미디엄 템포의 R&B 곡들은 미디로 찍어낸 몇가지 리듬만으로 구성되어 단조로운 느낌을 주곤 한다. 하지만 1집의 사운드는 매우 다양하고 복잡하다. 그 성격만 봐도 ‘One in a million'의 블루스 리듬, 이민우가 직접한 리듬 시퀀싱을 한 ’Punch'의 힙합 비트, 두터운 리듬 프로그래밍과 펑키한 기타 사운드를 결합한 ‘Sweet girl', 디스토션만 강하게 걸면 바로 헤비메틀이 될 수도 있는 기타리프를 사용한 ’Option', 전형적인 미디엄 템포를 내세운 R&B 트랙 ‘Un-touch-able'등 곡마다 그 스타일이 바뀐다. 곡의 핵심이 되는 비트를 만드는 요소들 역시 다양하다. ’Intro'와 ‘Punch'의 경우 가장 먼저 귀에 들어오는 건 강하게 치고 들어오는 짧은 샘플링이겠지만, 그 사이에 깔린 리듬 프로그래밍과 신디사이저는 에릭이 랩 플로우를 마음껏 만들 수 있는 바탕을 만들고, 거기에 스크래치와 다른 리듬 프로그래밍을 더 깐 ’Punch'의 사운드는 코러스와 더해지면서 단지 메인 리듬 프로그래밍중심으로만 흘러갈 수 있었던 곡을 더욱 풍부하게 만든다. ‘One in a million'의 경우 롤러코스터의 이상순이 연주한 블루스 기타가 보컬 이상의 비중으로 곡을 이끌면서 곡에 보다 차분한 감수성과 고급스러운 느낌을 선사한다.

 특히 ’Sweet girl'의 사운드는 이 앨범의 섬세한 사운드 메이킹을 집약적으로 보여준다. 물론 사운드의 구성 자체는 ‘Punch'나 ’One in a million'보다 덜 복잡하다. 리듬 프로그래밍이 곡을 이끌고, 거기서 적절히 훅과 솔로 보컬의 교차로 곡에 임팩트를 주면 그걸로 곡의 뼈대가 완성된다. 하지만 이민우는 곡에 다채로운 색깔을 부여한다. 이 곡의 리듬 프로그래밍은 실제 드럼과 유사한 소리로 구성된다. 스내어와 킥드럼을 같이 사용하는데, 그만큼 두껍게 획일적으로 반복되는 대신 사운드의 그루브가 잘 살아난다. 대신 두꺼운 리듬 프로그래밍에 비해 확실하게 임팩트를 주긴 어렵고, 두 소리 사이에 공백이 생기고, 이를 펑키한 기타 연주가 처음부터 끝까지 메꿔준다. 이 기타 연주는 이 곡을 단지 이민우의 힘찬 보컬이 지배하는 R&B로 만드는 대신 가사에 담겨있는 우울한 느낌을 더욱 구체적으로 표현한다. 그냥 힘줘 슬픔을 노래하는 게 아니라 그 밑에 기타 연주와도 같은 우울한 감성이 깔려있다. 그리고 곡이 마무리 될 때 쯤, 사운드는 그냥 페이드아웃 되지 않고 마치 실제 스튜디오에서 녹음하는 것처럼 점점 뒤로 빠지면서 울림을 가진 채 사라진다. 그만큼 곡의 사운드는 여운을 남기고, 마무리하는 과정 자체가 곡 구성상의 변화를 일으킨다.

 이민우의 1집은 그가 대중에게 보여주기 위한 캐릭터보다 자신의 스타일을 보여주는데 주력한 앨범이었고, 그만큼 한 장의 앨범으로서 가치를 가졌다. 그러나, 문제는 그것을 어떻게 응집력 있게 표현하느냐였다. 앨범 전체에 깔려있는 차분한 느낌은 다른 여러 사운드들에 의해 상당부분 희석됐고, 그래서 사운드의 퀄리티는 높아도 그것이 어떤 감성을 드러내는 가는 불분명한 부분이 있었다. 오히려 대중이 쉽게 이민우의 감수성을 확인할 수 있는 건 이민우의 보컬이 좀더 앞으로 나오고, 어쿠스틱 기타를 중심으로 베이스와 드럼 정도로만 곡을 꾸며가는 ’For you (to my lovely fans)‘같은 곡이었을지도 모른다. 물론, 음악적으로는 문제 없다. 이렇게 앨범의 퀄리티에 신경쓰는 것도 음악을 만드는 한 방법이다. 하지만 이것을 어떻게 무대위에서 소화해내고, 그것을 대중에게 어떤 느낌으로 다가서게 하느냐는 또 다른 문제였다.

 이민우의 2집 ‘IInd Winds'는 이런 1집의 문제를 정반대의 방향에서 해결했다. 그는 직접 작/편곡한 타이틀곡 ’Bump!'를 1집과는 정 반대의 방법론으로 구성했다. ’Bump!', 더 나아가서 이 앨범은 다양한 사운드의 조합으로 이뤄졌던 1집의 리듬 구성대신 심플하지만 더욱 선명하고 자극적인 리듬 프로그래밍을 중심에 놓았다. 1집의 곡들 대부분이 최대한 실제 드럼에 가까운 리듬 프로그래밍이나 시퀀싱에 다양한 소리를 조합해 섬세한 사운드를 만들어낸 것과 달리, 2집은 우리가 익히 알고 있는 강하고 두꺼운 리듬 프로그래밍이 중요한 사운드로 부각된다.

 꿈을 펼쳐봐 !

 이것은 그 자체로만 보면 퀄리티 좋은 사운드에서 일반적인 댄스음악의 사운드로 변한 것이라고 볼 수 있다. 그러나, 이민우는 이런 변화를 통해 1집에서는 표현할 수 없었던 자신의 음악적 감수성을 드러낸다. 'Bump!'의 리듬 프로그래밍들은 거의 포화 상태에 이를 정도로 박력있는 비트를 만드는데 주력한다. 신디사이저나 두꺼운 톤으로 만들어진 리듬 프로그래밍등은 서로가 서로의 비트를 만드는데 돕기 이전에 각각의 리프를 가지고 강하게 반복된다. 모두 들어보면 각각의 비트가 몇 개의 음을 반복하면서 그것만으로도 댄스 비트가 될 수 있을만큼 독립성을 가지고 있는 것을 확인할 수 있다. ‘Bump!'의 모든 사운드는 하나하나 독립적인 비트를 만들고, 그것들이 더해지면서 엄청난 파워와 속도를 만들어낸다. 이를테면 ‘One in a million'에서 기타가 곡을 보다 풍성하게 만들어주는 연주의 측면에 가까웠다면, ’Bump!'의 기타 연주는 반복적으로 진행되며 곡에 더욱 속도감을 불어넣는 또 다른 비트의 역할을 하는 것이다.

 즉, 1집의 사운드가 ‘풍성함’이나 ‘퀄리티’에 목적을 뒀다면, 2집은 ‘임팩트’와 ‘명확한 감성의 전달’에 중점을 둔다. 이는 이민우가 어떤 느낌을 표현하고 시픈지 보다 명확하게 할 뿐만 아니라, 대중에게 다가설 수 있는 임팩트 있는 음악을 만드는 것으로 연결된다. 그래서 사운드는 복잡한 대신 하나하나가 확실하게 듣는 사람에게 다가설 수 있도록 만들어졌고, 곡의 보컬은 1집과 달리 다른 사운드보다 좀더 앞에 놓이면서 더욱 생생하게 전달되도록 녹음됐다. 이는 곧 가히 스피드광이라고 할 정도로 무섭게 달려대는 이 곡의 속도감과 그에 실린 박력으로 이어진다.

 이 곡의 1절의 전개는 지난해 나온 국내 댄스곡들중 가장 빠른 시간안에 곡의 절정에 다다른다 해도 과언이 아니다. ‘내게 멋진 / 뜨거운 열기 / 네 맘을 적신 / 나의 몸을 느껴’에서는 짧고 반복적인 멜로디로 긴장감을 유발한 뒤, ‘새로워진 / 탄생의 눈빛 / 그 속에 빠져 들어가 / 나에게 미쳐’에서는 ‘...탄생의 눈빛’까지 동일한 멜로디를 반복한 뒤 ‘그 속에 빠져 들어가’에서 좀더 음정을 높이더니 ‘나에게 미쳐’에서 바로 흐름을 끌어올려 후렴구가 나오도록 한다. 그리고 후렴구는 그 부분 전체가 무지막지하다 싶을 정도로 계속 상승하는 구성을 보여준다. ‘(꿈을 펼쳐봐) 내 가슴속으로.... (한 번쯤 크게) 내 이름을 외쳐봐’는 코러스가 더해진 괄호 부분이 강한 비트로 치고 들어오면 바로 이민우의 보컬이 그것을 거칠게 끌어올리면서 멜로디를 최대한 거칠고 힘있게 이끌어 간다. 그리고 그 뒤에 이어지는 ‘정상을 위해’에서는 마치 후렴구안에서 브릿지 역할을 하는 것처럼 음정을 확 끌어올리고, ‘모든 곳에 Bump! Bump! Bump!'는 그걸 바탕으로 최대의 힘으로 멜로디를 밀어붙인다. 곡의 시작부터 1절의 후렴구가 마무리되는 불과 55초의 시간동안 곡의 박력을 맥시멈으로 끌어올린다.

 물론 이렇게 되면 보통의 경우 그 다음부터 뭘 해야 할지 난감해 진다. 하지만 이민우는 거기서 과감한 선택으로 곡의 흐름을 ‘더’ 끌어올린다. ‘Bump!'에서 브릿지를 처리하는 방식은 이민우가 이 앨범을 어떤 생각을 가지고 만들었는지 확실하게 보여준다. 1집의 경우 브릿지는 최대한 섬세한 사운드와 자연스러운 전개방식으로 그것이 브릿지라는 느낌을 주지 않을 정도로 다른 부분과의 조화를 보여줬다. 하지만 ’Bump!'의 브릿지는 누가 들어도 곡의 전개가 달라졌음을 명확히 보여준다. 2절 가사가 진행된 뒤 ‘숨겨왔던 내 시간들도 이제는 널 향하고 있어...’같은 브릿지를 들어보라. 일정하게 반복되던 몇 가지 리듬 프로그래밍이 빠지고, 대신 지금까지 등장하지 않았던 신디사이저가 앞에 등장하며, 거기에 코러스까지 깔리면서 이 부분에서 곡의 흐름이 바뀐다는 것을 분명히 한다. 이 때문에 1집과 달리, 2집의 사운드는 심플하고, 브릿지는 눈에 띌 정도로 튀어 보인다. 그러나, 그런 사운드 메이킹을 통해 이민우는 자신이 원하는 임팩트를 얻는다. 확 튀는 사운드 때문에 브릿지 파트는 그만큼 거칠게 곡을 이어가지만, 대신 이 부분의 멜로디는 곡의 흐름을 끌어올린다. 그래서 브릿지 부분은 튀지만, 대신 곡은 듣는 사람이 숨이 헐떡거릴 정도로 쉴 새 없이 달려 버린다. 브릿지의 신디사이저와 코러스를 제외한 거의 모든 사운드가 각각의 비트가 되어 앞으로 달려가고, 멜로디 역시 끝없이 강하게 상승한다. 1분이 안되어 일반적인 댄스곡의 가장 신나는 부분을 풀어내버린 멜로디는 2절에서 브릿지를 집어넣어 그 폭발력을 끌어올린다. 그 뒤에는 그대로 랩으로 이어지며 속도를 유지하며 곡의 흐름을 바꾸고, 다시 후렴구가 등장하면서 앞부분의 랩과 대조되는 분위기(랩에서 멜로디로의 전환)로 곡을 또 절정으로 끌어올린다. 자칫 곡을 늘어뜰릴 수도 있는 브릿지는 단 한번 사용하면서 곡의 흐름을 최대한 끌어올리며 곡의 속도감과 박력을 맥시멈으로 올린다.

 이민우의 보컬은 이 모든 것을 구체화 시킨다. 이민우의 보컬은 이 앨범에서 확연히 나아졌다. ‘Bump!'는 아주 단순하게 얘기하면, 마이클잭슨의 수많은 후예중 하나라고도 할 수 있다. ’Option'처럼 앞부분부터 코러스로 감싼 강한 훅을 터뜨리지 않을 바에야, 많은 댄스곡들은 ‘Bump!'나 어셔의 ’Yeah!', 혹은 세븐의 ‘열정’이나 비의 ‘It's raining'처럼 1절 앞부분에 짧고 비트있게 진행되는 멜로디로 곡에 임팩트를 준 다음, 그걸 바탕으로 후렴구를 더 강하게 터뜨린다. 그리고 그건 마이클 잭슨이 거의 장르화 시킨 방법이었다. 그의 수많은 히트곡들은 강력한 전반부를 통해 대중을 빨아들인 뒤, 그보다 더 강한 후렴구로 대중을 ’미치게‘ 했다. 그런데 이런 전개에는 보컬의 호소력이 반드시 필요하다. 어셔의 ’Yeah!'에서 알 수 있듯, 그 곡에서 정말 어려운 부분은 후렴구가 아니라 앞의 멜로디 파트다. 불러본 그 부분은 보통 사람이 거의 심장이 터질 정도로 소리를 질러도 그 느낌을 내지 못한다. 힘은 힘대로 쓰면서 음정 자체는 후렴구보다 낮은 선에서 유지돼야 하고, 목소리의 진한 톤도 유지해야 한다. 그만큼 목소리에 상당한 밀도와 힘이 담겨있어야 한다. 한국에서는 단지 얼마나 고음처리를 잘하느냐로 가창력이 평가되기도 하지만, 노래를 얼마나 안정감있게, 그리고 호소력있게 전달하느냐는 보컬이 얼마나 밀도있게 곡을 끌고 나가느냐에서 결정 된다.

 이민우는 그 보컬의 밀도를 전작보다 더욱 강화했다. 처음부터 끝까지 멜로디를 ’눌러‘주는 그의 보컬은 1절 첫 부분부터 곡에 임팩트를 준다. 그의 목소리는 ’...나의 몸을 느껴‘, ’그 속에 빠져들어가‘같은 부분에서 멜로디의 끝 부분까지 자기 목소리를 끌고 가며 멜로디의 여운을 남기고, 그것이 후렴구의 폭발적인 전개로 이어진다. 또한 브릿지에서도 상대적으로 차분하게 진행되던 멜로디가 ’....너와 함께 하겠어‘에서 갑자기 폭발적으로 변하는데, 여기서도 목소리의 톤이나 밀도를 그대로 유지하며 곡을 끌어올려 그 뒤의 멜로디를 그대로 이어간다. 이는 이 앨범에서 코러스가 그다지 많이 사용되지 않고 이민우의 메인 보컬이 곡을 끌고 나가는 이유일 것이다. ’Bump!'처럼 처음부터 끝까지 그가 중심이 되어 곡을 이끌자 곡의 속도감과 힘이 그대로 유지될 뿐만 아니라, 곡의 느낌에 일관성이 부여된 것이다.

 ‘Bump!'는 사운드적인 퀄리티로만 본다면 ’Punch'보다 떨어진다고 할 수도 있다. 그러나, 그 퀄리티를 포기하며 만들어낸 일관된 방향성 때문에 듣기 전에 더 ‘기대’가 되는 노래다. 들으면 정말 아무 생각안하고 즐길 수 있는 댄스곡이라는 기대감 같은 것 말이다. 이건 음악을 들을 때 퀄리티 이상으로 중요하다. 사람들은 사운드를 자세하게 파악하기 전에 그 곡의 전체적인 느낌이 어떤 것인지 판단하기 때문이다. 그 점에서 ‘Bump!'는 이민우식 댄스곡을 생각했던 사람들에게 가장 확실한 타이틀곡이었다. 이 곡만 들으면 이민우가 어떤 음악을 선호하고, 어떤 보컬이며, 어떤 캐릭터를 가지고 있는지도 확실히 알 수 있었다. 이는 그의 개인 활동을 통해 형성된 이미지를 통해 보다 구체화 된다. ’Bump!'만으로 본다면 그는 처음부터 끝까지 미친 듯이 달리는 터프한 남자일 뿐이다. 하지만 ‘X맨’과 ‘논스톱 5’등의 출연을 통해 그는 자신이 멋지게 춤출 줄 알면서, 무조건 폼만 잡기 보다는 능글맞을 정도로 사람을 웃길 수 있는 유머감각을 가지고 있다는 것도 보여줬다. 무대 위에서는 계속 달리지만 무대 아래에서는 적당히 놀기도 하고, 잘 웃기기도 하는 캐릭터. 그래서 이민우는 ‘Bump!'의 뮤직비디오처럼 자기가 의도한대로 판을 만들고, 거기서 마음대로 즐기는 ’도박사‘의 이미지와 어울린다. 무대 자체는 숨찰 정도로 다이나믹하지만, 무대 아래에서는 적당히 여유있게, 이것 저것 다 재능이 있어 그것들을 다 즐기며 사는 남자같은 느낌.

 이 곡의 또다른 성공 포인트는 안무였다. 이민우가 춤 잘 춘다는 건 누구나 안다. 하지만 신화가 아닌 솔로로서 추는 건 또 다른 문제다. 그가 대중에게 정말 춤을 잘춘다는 걸 인정받으려면 테크니컬한 댄서이자 창조적인 안무가로서의 재능을 모두 보여줘야 했다. ‘Bump!'에서 실질적으로 그의 테크닉이 눈에 띄는 부분은 많지 않다. 랩이 들어간 부분에서 잠깐 동안 자신의 개인적인 테크닉을 보여줄 뿐이다. 대신 그는 쉴 새 없이 다른 댄서들을 통해 무대 전체를 통합된 동선으로 연출한다. 백댄서가 그저 가수와 똑같이 춤추는 것이 아니라 때에 따라서는 가수와 대립도 하고, 반대로 가수를 마음대로 조정하기도 한다. 그러다가 ’꿈을 펼쳐봐‘가 등장하는 순간 이민우가 모든걸 폭발시키면서 다시한번 무대 전면에 부상한다. 즉, ’Bump!'의 무대에서 중요한 건 화려한 테크닉이나 가수 자신의 카리스마가 아니라 무대 전체를 조율하는 연출력이다. 댄서들은 백댄서가 아니라 조연에 가깝고, 이민우는 원맨쇼 대신 그 조연들과 함께 ‘연기’하는 것을 선택한다. 이를 통해 신화의 팬들은 안무가로서의 이민우를 감상해서 즐거울 것이고, 다른 대중들은 이민우의 매력을 새롭게 발견할 수 있었을 것이다. 말그대로 ‘꿈을 펼쳐봐!’라는 가사가 어울리는 노래와 춤을 부르는 가수로서 말이다.

 두 번째 싱글의 성공

 이렇게 모든 면에서 성공적인 타이틀 곡 ‘Bump!'가 중심에 선 2집은 앨범 전체로도 명확하게 이민우의 감성을 전달한다. ’Bump!'가 지금까지 사람들이 알고 있는 이민우의 캐릭터를 명확하게 구체화 시켰다면, ‘Girl Friend'는 이민우에게 숨겨진 또 다른 모습을 끄집어내TEk. 다이내믹한 댄서 뒤에 숨어있는 발라드의 감수성을 보여주는 건 과거부터 늘상 있었던 일이다. 그러나, 요즘같은 시대엔 그건 타이틀곡이 제대로 성공했을 때에야 가능하다. 이민우는 ’Bump!'를 통해 드디어 그것을 성공시켰고, ‘Girl Friend'는 그 반대편에서 이민우의 또다른 캐릭터를 구체화 시킨다. 앞서 언급했듯, 1집에서도 블루스적인 기타를 중심으로 차분하고 우울한 느낌을 선보이는 곡들은 있었다. 하지만 그런 감성들은 다른 여러 사운드와 섞이면서 명확하게 드러나진 않았다. 반면 ’Girl friend'는 몇가지 사운드를 덜어내고, 남은 사운드를 보다 강조하면서 곡의 감성을 더 확실하게 드러낸다. 이 앨범에서 눈에 띄는 부분중 하나는 기타의 참여도가 낮아졌다는 점이다. 물론 기타가 여러 곡에 들어가긴 하지만 ‘Bump!'와 ’Girl friend'정도를 제외하면 1집처럼 아주 두드러지지는 않는다. 그러나, ‘Bump!'가 그러하듯 ’Girl Friend'의 기타 역시 확실한 존재감으로 곡 전체에 강한 임팩트를 준다. ‘Girl friend'에서 곡의 이미지를 결정하는 건 곡 시작부터 등장하는 어쿠스틱 기타다. 다른 사운드가 배제된 채 등장하는 어쿠스틱 기타의 낮고 차분한 느낌이 이 곡의 이미지를 잡으면, 거기에 다시 현악 세션이 등장해 차분하고 쓸쓸하게 곡을 이어간다. ’Bump!'와 방향은 반대지만, 모든 사운드가 하나의 감성을 향해 모이는 구성은 마찬가지다.

 그것은 바로 쓸쓸함과 적막감으로 이어진다. 이어진다. 이 곡의 1절 앞 부분은 들리는 소리보다 오히려 들리지 않는 소리, 즉 소리와 소리 사이의 공간에 주목해야한다. 이민우의 보컬과 기타, 리듬프로그래밍과 첼로로 진행되는 이 부분에서 이민우의 보컬은 다른 사운드와 일정한 거리를 두고, 좀 더 생생한 느낌으로 전달된다. 그래서 심플한 사운드 사이에서 보컬과 사운드는 공간감을 연출하고, 그 공간과 공간사이의 정적, 그로부터 연출되는 쓸쓸함이 이 곡의 감성을 결정한다. 그렇게 쓸쓸하고, 조금은 공허한 느낌이 결국 ‘I believe in u...'같은 후렴구의 슬픔으로 폭발하는 과정이 ’Girl friend'의 포인트다. 특히 한 번 절정으로 치달았던 곡이 리듬 프로그래밍을 제외하곤 점차 소리를 줄여가며, 완전히 소리를 한 번 없앴다가 다시 자연스럽게 후렴구로 이어지는 과정은 이 곡의 정서를 집약해놓은 부분이다. 차분하게 정리된 감정으로부터 다시 이민우의 ’얼마나 네가 나만큼 아파봤어?‘를 중심으로 다시 슬픔이 밀려드는 과정은 차분하면서도 의외로 다이내믹하게 쓸쓸함과 슬픔의 교차를 보여준다. 이 곡은 다양한 사운드를 더하는 대신 오히려 빼는 것을 통해 이 곡만의 명확한 감성을 드러냈다. 현악세션 연주도 풍성하게 곡을 감싸기 보다는 첼로가 중심에 등장해 굵고 낮은 음을 들려주며 곡의 분위기를 보다 쓸쓸하게 만든다.

 그러나, ‘Girl Friend'의 장점은 단지 편곡을 통해 감정선을 명확하게 드러냈다는 것이 아니다. 이 곡은 이민우가 표현하려는 감성과 장르의 특질을 잘 섞어 놨다. 이 곡의 감성을 지탱하는 건 곡의 중심에 자리잡은 기타나 첼로의 쓸쓸함일 것이다. 하지만 이 곡의 멜로디를 진행시키는 건 미디엄 템포의 리듬 프로그래밍이고, 이것이 ’Girl friend'가 느린 발라드로 빠지지 않은 채 R&B적인 성격을 유지하도록 한다. 이는 이 곡이 쓸쓸한 분위기를 유지하면서도 대중에게 각인 될 수 있는 훅을 만들어낼 수 있도록 만든다. 이 곡은 각 절의 앞 부분 약간을 제외하면 곡 전체가 후렴구라 해도 좋을 정도로 호소력 있는 멜로디를 전개한다. ’I believe in you it's all I think about you (Do you wanna go) / 죽을 만큼 나 아프지만 / 아픈 만큼 네가 밉지만 You know...'같은 후렴구는 계속 코러스와 이민우의 솔로 보컬을 교차하며 곡에 점점 더 힘을 주면서 R&B의 고급스러운 느낌을 유지한채 곡을 절정으로 끌어올린다. 그 앞의 ‘두번쯤 / 울리다만 전화 / 혹시나 네 전화일까봐 / 가슴 내려앉고 / 많이도 약한 가슴을 / 갖고 사나봐 / 나란 남자는’은 계속 리듬을 변화시키고, 계속 코러스와 이민우의 보컬을 교차시키면서 모든 부분에 임팩트를 준다. 특히 ‘많이도 약한 가슴을 / 갖고 사나봐 / 나란 남자는’에서는 리듬을 조절하면서 순식간에 곡의 흐름을 끌어올려 곡이 바로 ‘I believe in you...'같은 치고 들어오는 멜로디로 이어질 수 있도록 만든다. ’Girl Friend'는 전체적으로 서정적인 발라드지만, 그 느낌으로 대중을 안내하는 건 끊이지 않고 이어지는 임팩트있는 멜로디다.

 이를 완성시키는 건 역시 이민우의 보컬이다. 이민우는 자신의 앨범을 직접 프로듀싱 하면서, 자신의 보컬을 곡에서 원하는 만큼 안정되게 끌어나가는 능력을 가졌다. 다른 사운드보다 목소리가 보다 앞에서 생생하게 배치된 이 곡에서, 그는 ‘Bump!'처럼 가끔씩 거친 느낌마저 들 정도로 곡에 힘을 담는 대신 자신의 목소리의 톤을 최대한 일관되게 끌고 나가는 것을 목표로 한다. 시종일관 그의 목소리는 진하게, 마치 조금 우는 것처럼 곡을 끌고 간다. 이 곡의 하이라이트라 할 수 있는 후반부의 ’얼마나 네가 나만큼 아파봤어...‘부분이 극적으로 들리는 건 단지 사운드를 모두 지우고, 그 때부터 다시 천천히 곡을 끌어올리는 편곡 때문만은 아니다. 더 중요한 건 밀도있게 목소리를 눌러 가며 저음에서 고음까지 부드럽게 곡을 이민우의 보컬이다. 조금만 더 가볍거나 거칠었다면 다소 느낌이 닿지 않거나 너무 절절할수도 있던 멜로디를, 이민우는 기타의 쓸쓸함이 가진 만큼만 정확하게 표현한다.

 또한 흥미로운 점은 이 곡 역시 ‘Bump!'처럼 뮤직비디오의 시각적인 이미지가 음악과 잘 어울린다는 것이다. 이 곡의 뮤직비디오를 지배하는 이미지중 하나는 아무도 없는 길을 홀로 걸어가는 이민우의 뒷 모습이다. 이것은 곧 어쿠스틱 기타가 지배하는 곡의 쓸쓸함과 일치한다. 그만큼 이민우는 이 앨범에서 자신이 생각하는 곡의 이미지를 명확하게 떠올리고 작업한 셈이다. 그리고, 이런 ’Girl friend'의 종합적인 이미지는 이민우를 보컬리스트로서도 바라볼 수 있는 기회를 줬다. 그가 춤을 안추고 노래를 부르는 것이 어색하지 않게 된 것이다. 게다가 이번에는 ‘메가패스’ CF를 만회하듯 에릭과 이효리가 출연한 ‘애니콜’CF의 노래를 자신이 불렀다는 것을 명시하면서 보컬리스트로서의 이미지를 보다 분명하게 다지기도 했다. 그는 말그대로 이 바닥에서 어떻게 살아남아야할지 더 분명하게 알게 된 것이다.

 예민하지만 터프하다

 ‘Bump!'와 ’Girl friend'로 대표되는 두가지 감성은 앨범 전체를 통해 드러난다. ‘Fighter'와 ’Battle(jump! jump!)', 그의 싱글에 수록된 'Over-doze'의 리믹스 버전은 ‘강하고 빠르고 거친’ 이민우 스타일의 댄스곡들이고, ‘Last first kiss', 'Sometimes', 'Sweet sound'는 R&B적인 성격이 반영된 이민우의 발라드다. 나머지 곡들은 적당히 비트를 타면서 그 중간을 잇는다. 또한 이민우는 이 곡들을 ’Fighter' - '신기루‘ - ’Last first kiss', 'Bump!' - 'Let me love you' - 'Girl Friend'처럼 세 곡 단위로 곡의 흐름이 점점 차분해지거나, ‘Girl friend'에 이어 어쿠스틱 기타 연주 그대로 등장하는 ’Interlude'와 ‘Sometimes'등 앨범의 자연스러운 흐름에 최대한 신경쓰고 있다.

 앨범의 첫곡 ‘Fighter'는 이런 전체적인 맥락속에서 첫 트랙의 역할을 확실히 한다. 이 곡의 사운드는 ’Bump!'와 비슷하다. 강한 리듬 프로그래밍과 자극적인 신디사이저, 신디사이저를 기반으로 곡의 흐름을 확 끌어올리는 브릿지, 그리고 중간에 삽입되는 짧은 랩들이 그렇다. 하지만 이 곡은 ‘Bump!'에 비해 더 자극적이고, 거칠다. 'Bump!'는 타이틀 곡으로 쉴 새 없이 변화하며 재미를 주는 쪽에 초점을 맞췄다. 그래서 기타도 추가되고, 후렴구의 등장 역시 한번은 1절에 이어 곧바로, 그 다음엔 브릿지 뒤에, 그 다음엔 랩 뒤에 이어지는등 다양한 구성을 시도했다. 또 후렴구 멜로디도 ’(꿈을 펼쳐봐) 내 가슴 속으로 .... / 정상을 위해 / 모든 곳에 Bump! Bump! Bump!'처럼 그 안에서 나름의 기승전결을 갖추고 대중이 편하게 따라 부를 수 있는 최소한의 길이를 확보했다. 하지만 ‘Fighter'의 후렴구는 ’Oh! Oh! 고개를 들어봐 / 자신있는 느낌으로‘나 ’Tell me what you wanna do? / I said roofs on fire feeling so higher'처럼 짧은 멜로디나 랩이 똑같이 반복된다. 그만큼 따라부르는 재미는 덜하지만, 한 번 들으면 쉽게 각인된다. 또 ‘Fighter'엔 기타는 없지만, 그 자리를 강한 신디사이저가 메꾸면서 곡을 더 강하게 이끈다. 게다가 이 곡은 1절부터 브릿지 멜로디인 ‘자꾸만 유혹하는 다른 누군가와 같은 꿈을 꾸지’를 등장시킨다. 이는 ‘Bump!'와 ’Fighter'사이의 가장 분명한 차이점이다. ‘Bump!'는 1절에서 브릿지를 생략한채 바로 후렴구를 등장 시킨다. 그만큼 빠르고 경쾌하다. 하지만 ’Figther'에서는 ’자꾸만 유혹하는...’이 등장, 음정은 더욱 올라가는 반면, 곡의 속도는 늦어진다. 그리고 이 브릿지는 그 뒤에도 계속 반복되면서 곡 전체의 느낌을 반복적으로 만든다. ’Bump!'가 처음부터 끝까지 변화무쌍하게 달린다면, ‘Fighter'는 처음부터 끝까지 거칠고 강한 힘에만 주목한다. ’망설일 필요 없어 그냥 내 뜻대로...‘에서 확인할 수 있듯, 이민우의 보컬도 더욱 거칠다.

 그래서 'Fighter'는 ‘Bump!'보다 듣는 재미가 떨어진다. 곡의 구성도 단순하고, 멜로디 역시 거의 외침에 가깝다. 곡의 흐름에 따라 다양한 연출이 가능한 ’Bump!'와 달리 ‘Fighter'는 무대를 다채롭게 꾸미기 힘들다. 또한 ’Bump!'가 다채로운 구성으로인해 랩으로 조금씩 차분하게 정리되는 후반부를 선보이는 것과 달리 ‘Fighter'는 끝까지 동일한 구성을 반복하다가 거기에 ’Mars!'같은 말 몇마디를 덧붙여 마무리하는 정도다. 이는 이 앨범의 장단점을 명확하게 보여준다. ‘Fighter'는 앨범 내에서 나름의 자기 역할을 다 한다. 자극적이고 강한 비트와 그만큼 강하고 거친 멜로디로 이 앨범의 성격을 시작부터 확실히 보여준다. 그러나 이민우는 앨범 전체를 통해 자신이 의도한 이미지를 구체화하는 방법은 알았어도, 그것을 보다 짜임새있게 꾸미는 데는 아쉬운 부분들을 노출한다. 그가 이렇게 몇 개의 사운드로만 이뤄진 곡에서 임팩트를 주는 방법은 곡이 덜컥거릴 정도로 브릿지를 끼워 넣고, 곡의 구성을 반복적으로 진행시키는 것 뿐이다. ’Bump!'나 ‘Girl Friend'처럼 드라마틱한 전개를 가진 곡들은 그것이 타이틀이나 두 번째 싱글의 위치에서 보다 정교한 짜임새에 집중할 수 있었기 때문이다. 하지만 그 외의 방향을 보여줘야할 곡들에서는 그런 구성상의 문제들이 드러난다. 1집에서 구성이나 사운드의 흐름은 좋았던 반면 확실한 임팩트가 부족했던 것과 정 반대인 셈이다.

 이런 문제는 ‘Battle (jump! jump!)'에서도 이어진다. ‘Battle (jump! jump!)'은 이 앨범의 댄스곡중 ’Fighter'의 반대에 가깝다. 이 곡 역시 다른 댄스곡들처럼 강한 리듬 프로그래밍과 신디사이저가 중심에 놓이긴 하지만, 그 운영 방법이 ’Fighter'와 전혀 다르다. 사운드 자체가 강하고 자극적인 톤이어서 앨범의 전체적인 흐름을 벗어나지는 않지만, 다른 곡들에 비해서는 가볍고, 그만큼 함께 춤출 수 있는 분위기를 유도한다. 가사 그대로 관객들도 함께 ’jump'하며 놀 수 있는 것을 노린 것이다. ‘타 오르는 마음 속에 거친 눈빛 / 나의 비트 위에 시작되는 너의 몸짓...’, ‘.... all right'같은 멜로디는 끝 부분에서 강하게 음을 치고 나가는 대신 툭툭 던지듯 리드미컬하게 멜로디를 끌고 가며 속도감을 유지하는데 주력한다. 그렇기 때문에 후렴구의 멜로디 역시 ’jump jump / 가슴을 열고 날 향해 / jump jump / 미쳐가는 이 시간‘처럼 ’jump jump'를 기점으로 짧게 나뉘며 별다른 음의 고저 없이 속도감을 내는 데만 집중한다. 브릿지 멜로디도 ‘Bump!'나 ’Fighter'처럼 각 절 멜로디와 후렴구 사이에 끼어 곡의 분위기를 고조시키는 것이 아니라 2절까지 노래가 반복 된 뒤 후렴구가 모두 끝난 뒤 등장하고, 그 뒤에 이어지는 후렴구는 ‘jump jump...'이 아니라 ’Come come on...'이다. 그런 경쾌한 속도감이란 측면에서 ‘Battle (jump! jump!)'은 멜로디와 사운드가 일관된 방향으로 결합되어 뛰어난 응집력을 보여준다. 신디사이저는 조금 더 뒤로 물러나 더 가볍고 잘게 쪼개진 리듬으로 힘보다는 리듬감을 강조하고, 리듬 프로그래밍 역시 둔중하게 치는 대신 무거운 비트 사이로 퍼쿠션에 가까운 톤으로 잘게 쪼개진 리듬이 들어가면서 모두 빠르고 경쾌한 느낌을 연출한다. 특히 브릿지인 ’참을 수 없는 곳에서‘에서 리듬 프로그래밍의 미묘한 변화는 흥미롭다. 이 부분에서 둔중하게 치고 나오던 리듬 프로그래밍은 약간 가벼운 톤으로 변하고, 그대신 보다 부드러운 베이스 톤이 그 자리를 차지한다. 이민우는 자신이 직접 작/편곡한 곡에서 세심하게 곡의 전체적인 이미지에 신경쓴다는 것을 보여준 셈이다. 이렇게 심플한 사운드로 미묘한 차이가 있는 댄스곡을 만들고 프로듀싱할 수 있다는 건(특히 ’Bump!'와 ‘Battle'이 그가 직접 만들어낸 곡임을 감안하면) 훌륭한 재능이고, 그가 현재 한국에서 통용될 수 있는 트랜디한 클럽 댄스 곡들을 만들 능력이 있음을 증명한다.

 그러나, ‘Battle'역시 이민우가 이 앨범에서 보여주고 있는 문제를 완전히 해결하진 못한다. 그는 ’.....멈추지 마‘의 보컬을 부드럽게 처리하면서 브릿지인 ’참을 수 없는 곳에서...‘로 최대한 자연스럽게 넘어가도록 노력한다. 하지만 1집과 달리 풍성한 코러스를 비롯한 다양한 사운드를 배제한 채 오직 리듬만으로 곡을 이끌어가는 상황에서, 갑자기 등장하는 신디사이저는 그만큼 곡에서 튀고, 속도를 떨어뜨린다. 브릿지 직후 바로 분위기를 띄울 수 있는 ’jump jump...'대신 속도감을 끌어올리는 랩 파트가 등장한 뒤 ‘jump jump'가 등장하는 건 어쩔 수 없는 선택이었을 것이다. 이 브릿지 이후 바로 피치를 올리는 후렴구는 등장하기 어렵다. 그래서 곡은 속도를 유지하지 못하고, 그만큼 더 강한 절정으로 가지 못한다. 브릿지를 등장시켰다 해도 이어지는 건 새로운 멜로디나 편곡이 아니라 다시 속도를 끌어올리는 후렴구의 반복 정도이기 때문이다. 앨범 마지막에 수록된 ‘Overdoze'의 리믹스 버전은 이 앨범의 방법론을 그대로 보여준다. 자극적인 신디사이저의 사용, 곡의 분위기를 잡아주는 강렬한 랩, 그리고 곡 중반의 브릿지의 사용등은 이 곡이 리믹스가 아니라 이 앨범을 위해 만들어진 신곡이라 해도 믿을 수 있을 정도다. 특히 ’Oh no 내 몸이 가는대로 가...‘같은 후렴구에서 점점 더 거칠게 곡을 끌고 가면서 나오는 파워는 속도감을 고려해 그 힘을 조절한 다른 곡들에 비해 더 거친 맛이 있다. 그래서 앨범의 마지막에 강렬한 인상을 남기기에 충분하지만, 구성적인 기교 없이 반복적인 후렴구로 곡을 그대로 마무리하는 것은 이 곡의 한계이기도 하다. 올라선 부분이 있는 대신, 내려간 부분도 있는 것이다.

 잃은 것과 얻은 것

 그러나, 앨범 전체로 보면 앨범의 방향성은 장점이 더 많다. 대중에게 확실하게 기억될  타이틀곡과 앨범 전체에 이민우의 이미지가 무엇인지 각인 시켜준다는 것은 물론, 모든 곡에서 자신이 드러내고 싶은 감성을 보다 확실히 표현할 수 있기 때문이다. 에픽하이의 타블로가 피처링한 ‘Let me love you'는 그 확실한 예다. 이 곡의 가장 큰 특징은 단조롭게 반복되는 리듬 프로그래밍에 약간의 건반, 그리고 코러스를 얹은 정도가 전부인 심플한 사운드에 있다. 사운드가 곡의 전개에 직접적인 영향을 끼치는 건 브릿지인 ’살며시 다가온...‘에서 코러스와 신디사이저가 같이 깔리면서 풍성한 느낌을 만들고, 그에 이어 절정에서 코러스와 타블로의 랩이 같이 첨가될 때 정도다. 나머지는 이민우와 타블로가 서로 주고받으며 곡을 이끌어간다. 그만큼 ’Let me love you'는  이 보컬 / 랩의 교차를 통한 일관된 감성으로 승부를 건다. 많은 사운드가 끼어들었다면 두 목소리의 감성이 사운드에 묻혔겠지만, 심플한 사운드 사이에서는 오직 두 사람의 감성이 곡을 지배한다. 그래서 ’Let me love you'는 두 사람의 목소리가 만들어내는 느낌이 그대로 곡 전체의 느낌이 된다.

 여기서 우선 주목해야할 것은 타블로다. ‘Let me love you'의 후렴구에 등장하는 ’In the day in the dark...'나 ‘Baby I'll be there for you 다가와..’같은 멜로디에서 확인할 수 있듯, 이 곡은 기본적으로 차분하고 우울한 감성을 기반으로 한다. 거기서 그 멜로디를 이어받은 이민우가 그것을 ‘그대를 위해서 나 뭐든 하겠어...’처럼 고급스럽게 덧칠하느냐, 혹은 곡의 후반부처럼 강하게 처리하느냐에 따라 곡의 분위기가 변한다. 반면 타블로는 이 곡에 깔려있는 그 우울한 느낌을 끝까지 유지한다. 이펙트 걸린 목소리로 그가 이민우의 보컬 사이에서 한두마디씩 던지는 영어 랩이 이 곡이 감정적으로 격양되지 않도록 만든다. 그러나, 이런 부분들이 단지 기능적인 부분이라면, 곡의 시작과 함께 등장하는 타블로의 랩은 이민우가 등장하기에 앞서 이 곡의 전체적인 이미지를 잡아주는 것은 물론, 이 곡의 핵심이 무엇인지 보여준다.

 곡 첫 부분에서 타블로의 랩은 흥미로운 플로우를 들려준다. 아주 단순하게 얘기하면, 이 부분에서 그의 랩은 댄스로 시작해 발라드로 끝난다. 처음에는 ‘Death I'd cheat her for u / yes I got a fever for u'정도의 길이로 비트를 끊어가며 라임을 맞추던 것이 그 다음에는 ’Wanna keep you close to me / my muse, music, poetry so flow with me and grow with me...'처럼 라임은 맞추지만 좀 더 길게 플로우를 가져가고, 'I‘ll be lovin you ... face'와 ‘Don't givin a fight... away'에서는 아예 한 문장단위로 플로우를 선보인다. 그렇게 랩은 점점 길어지고, 딱딱 끊기던 비트는 점점 말하듯 빠르고 부드럽게 흘러가며, 그러다가 ’Let this poet put love at first sight to pen'부터 점차 속도가 느려지기 시작하더니 ‘This is Tablo'에서 누구나 확실하게 발음이 들릴 정도로 랩이 느려진다. 그리고 이순간, ’This is Tablo'와 'passin the mic to M'에서 타블로의 목소리는 마치 발라드의 후렴구 부분처럼 듣는 사람에게 뚜렷하게 그 감정이 전달된다. 마치 발라드가 각 절의 멜로디와 브릿지, 그리고 후렴구로 사람의 감정을 격양시키듯, 타블로는 딱딱 끊기는 비트와 라임으로 귀를 잡아끈 뒤, 비트를 지우고 빠른 속도로 랩의 흐름을 끌어올렸다. 그리고 마지막 순간 비트가 없는 상태에서 ‘This is Tablo'를 느리게 강조하면서 자신의 이름을 랩의 하이라이트로 만들었다. 비트가 사라진 상태에서 점점 빨라지다가 갑자기 한 부분이 느려지면서 확 다가오는 어떤 서정적인 감성은 곧 곡의 감성과 연결되고, 더불어 사람의 목소리를 어떻게 조절하느냐에 따라 곡의 느낌이 달라지는 것은 이 곡이 어떻게 흘러갈 것인가를 보여준다.

 실제로 이민우는 이 곡에서 매우 능수능란하게 보컬의 감정선을 조절한다. ‘Oh baby...'에서 ’말로 설명할 수 없는..‘으로 넘어갈 때는 살짝 힘을 주면서 곡을 끌어올리지만, ’in the day in the dark'뒤의 ‘내 가슴을 활짝 열어 너에게...’에서는 잠시 힘을 줬다가 순간적으로 힘을 빼며 곡을 부드럽게 이어가고, 다시 ‘니 맘을 알 수 없어’에서 다시 뒷 부분에 힘을 주면서 곡의 흐름을 끌어올린다. 이런식으로 계속 보컬의 힘을 조절하기에 곡은 같은 비트에서도 다채로운 감정을 표현한다. R&B적인 부드러움으로 시작해 거친 목소리까지 한 곡안에 표현되면서 R&B의 고급스러움과 격렬함이 함께 담긴다. ‘Baby.. '뒤에 ’그댈 위해서...‘에서 얇지만 밀도있게 전개되는 보컬은 이 곡에 차분히 깔리는 쓸쓸한 느낌을 배가한다. 특히 2절이 끝난 뒤 코러스와 함께 등장하는 ’살며시...‘의 브릿지에서 이민우는 처음에 힘을 뺀 상태에서 쭉 음정을 올리며 절정으로 치닫는데, 이 때 보컬이 그 톤을 그대로 유지하면서 마지막의 ’다가와‘에서 살짝 거친 느낌까지 섞어 윤기나는 곡에 감정적인 절실함을 함께 담는다. 물론 이것은 매끈한 R&B위에 확실한 감정선을 더한 작곡가 류형섭의 역량이 뒷받침 된 것이긴 하지만, 계속 감정선이 변하는 이 곡을 눈에 잡힐듯한 변화로 ’연기‘하는 이민우의 보컬은 또 다른 스타일의 보컬리스트로서 그의 역량을 인정할 필요가 있지 않나 하는 생각을 들게 한다. 그는 매끈하게 곡의 일관성을 유지하면서도, 멜로디의 어느 부분을 어떻게 불러야 대중에게 호소력 있게 전달할 수 있는지 아는 듯 하다. 하다. 이 곡이 다른 곡들과 달리 후반부에 더욱 강한 감정적인 임팩트를 주며 마무리될 수 있는 것도 ’Let me love you'가 후렴구가 반복되기만하는 다른 곡들과 달리 이민우의 가창력을 최대한 끌어내고, 그래서 후반부에 강한 임팩트를 주기 때문이다. 이런 구성은 코러스에도 영향을 줘서, 브릿지에서 신디사이저가 배제된 채 곡의 전면에 나서는 코러스는 앞의 코러스와 연결되면서 다른 곡들에 비해 상대적으로 자연스러운 흐름을 보여준다. 물론 이는 곡의 특성상 코러스에 대비되는 메인보컬이 확실하게 곡의 중심에 자리잡기 때문이긴 하지만, ‘Let me love you'는 2집의 방법론 안에서 가장 매끈하게 나온 곡 중 하나다.

 그러나 같은 보컬 / 랩의 교차로 이뤄진 ‘신기루’는 다소 아쉽다. 그건 타블로 / 주석의 차이 같은 것은 아니다. 타블로가 곡의 분위기를 잡아준 것처럼, 주석은 곡 내내 ’신기루‘의 흐름을 끌어올리는 역할을 한다. 그가 담당한 랩 파트는 곡의 특성상 각각의 랩 뒷부분에 ’Now I feelin you.... 넌 마치 아름다운 신기루‘를 반복하는데, 그럼에도 불구하고 그 앞에서 ’날 바라보는 너 / 내 맘을 사로잡은 Girl...‘처럼 짧게 끊는 랩으로 빠르게 이어지는 랩과 대조를 이루는 플로우를 선보인다. 특히 ’널 감싸주던...‘의 브릿지에 이어 후반부의 ’Hey girl...'의 랩은 곧 곡의 하이라이트가 되는데, 처음에는 앞 부분과 비슷한 속도의 랩을 하다가 조금씩 속도를 조절하면서 마치 노래 부르듯 ‘내 맘을 훔쳐간 섹시한 Lady'를 펼쳐나가는 주석의 랩은 경쾌한 댄스곡의 흐름을 거스르지 않는 선에서 확실한 임팩트를 만든다. 또한 지금까지 거론한 곡들과 또 다르게 약간 허스키한 톤으로 ’섹시한 그대의 숨결 난 미쳐가는 걸‘같은 부분에서 섹시하지만 끈적거리지 않게, 오히려 약간 터프함을 느낄 수 있도록 부르는 이민우의 보컬도 귀에 잘 들어온다.

 그러나, 이 곡의 장점은 거기까지다. 주석의 좋은 랩, 이민우나 펑키한 기타, 그리고 윤기나는 리듬 프로그래밍. 그런 ‘톤’이 만들어내는 분위기는 좋지만, 이 곡은 실상 첫 번째 후렴구가 등장하는 순간 모든 것이 끝났다 해도 과언이 아니다. ‘Bump!'처럼 새로운 구성으로 곡의 속도감에 박차를 더하거나, ’Let me love you'처럼 이민우의 가창력이 곡을 더 끌어올릴 여지를 주는 것도 아니다. 거의 기계적으로 한번 브릿지를 반복한 뒤, 그대로 주석의 랩과 후렴구를 단순 반복한다. 그래서 주석의 랩이 잠깐 분위기를 띄우는 것 외엔 곡 후반부에 더 이상의 임팩트가 없다. 계속 같은 멜로디가 반복되고, 그래서 각각의 사운드가 들려주는 윤기나는 톤을 듣는 것 이상의 역할을 하진 못한다. 곡 앞부분을 들을 때는 신나는데, 뒤로 갈수록 기운 빠지게 되는 곡이랄까.

 보컬리스트 이민우

 ‘Last first kiss'는 그런 곡의 연출력이라는 부분에서 눈에 띈다. ‘Last first kiss'는 R&B의 특질을 유지한채 발라드적인 감성을 녹인 곡이다. 즉, 이 곡의 사운드나 멜로디 구성방식은 전반적으로 R&B 스타일을 유지한다. 각각의 사운드는 이 앨범에서 복잡한 축에 속하기는 하지만, 결과적으로 모두 R&B적인 비트를 위해 봉사한다. 리듬 프로그래밍을 중심으로, 대부분의 사운드가 모두 R&B적인 미디엄 템포를 만들어내는데 주력한다. 그리고 각각의 멜로디 전개 방식 역시 R&B 적이다. 모두 사운드가 만들어낸 비트를 중심으로 곡의 속도를 조절하는 전개를 보여준다. ‘그때는 몰랐지 / 작고 귀엽기만 하던 네가...’에서는 짧게 끊기던 멜로디가 ‘.... 정말 두근두근 날 설레게 하지 I know...'에서는 속도를 붙이며 곡의 흐름을 끌어올리고, ’환한 그 미소로 새롭게 다가와 / 날 깨워주는 너 / 반갑게 안으며 상상하고 있어 / 사랑이 시작되길‘에서는 보다 강하게 리듬을 타면서 곡을 절정으로 끌어올린 다음 ’I'm so in love... / 아직 넌 모를테지만...‘에서 확실한 절정을 맞이한다. 즉, 일반적인 발라드가 서서히 높아지는 음정을 통해 곡을 절정으로 끌고 가는 것과 달리 이 곡은 리듬의 완급 조절로 곡의 흐름을 바꾸고, 그 리듬 사이에서 순간적으로 고저가 바뀌는 음정 조절을 통해 임팩트를 준다. 특히 후렴구인 ’I'm so in love with you....'에서 이 효과가 극대화 되는데, ‘...함께 하자고 솔직히 말하고 싶어 / 지금 너도 나와’에서는 순간적으로 음정이 올라가며 이민우의 보컬에도 힘이 들어가는 반면, 그 뒤에는 바로 힘이 빠지면서 음정도 낮아진다. 그래서 곡의 구성 자체는 발라드적인 기승전결로 이뤄지고, 편곡 역시 후렴구에서 마치 발라드처럼 드럼 하이햇 사운드를 넣어 곡의 분위기를 더욱 끌어올린다.

 그래서 이 곡은 리듬 프로그래밍이 중심이 된 R&B / 힙합스타일의 음악들이 지배하는 앨범의 기조에서 벗어나지 않으면서, 상대적으로 큰 스케일의 발라드 음악과 같은 효과를 낸다. 덕분에 그 전개를 따라가느라 사운드도 점점 복잡해지고, 이미 충분히 사운드가 깔려 있는 상태라 브릿지 역시 다른 곡들보다 자연스럽다. 이 앨범에서 대부분의 곡의 브릿지가 갑자기 신디사이저가 끼어들면서 브릿지라는 걸 거의 광고하는 식인 것과 달리, 이 곡의 브릿지는 다양한 사운드 사이에서 이미 곡에 존재하던 비트가 하나 앞으로 튀어나오고, 그에 맞춰 멜로디 역시 R&B의 흐름을 유지하는 선에서 변화한다. 다른 곡들이 한창 댄스리듬을 타다가 갑자기 발라드처럼 변화하는 것과 달리, 이 곡의 ‘기억나 언젠가 / 네가 어릴 적 내게 / 하곤 했던 말...’은 비트를 타면서 그 안에서 곡을 절정으로 끌어올리기에 확실한 브릿지의 역할을 한다. 곡의 일관성을 그대로 유지하면서 곡의 흐름이 올라가자 보다 호소력 있는 전개가 이뤄진 것이다. 또한 그렇게 곡이 절정으로 올라가면서 그 뒤에 갑자기 잔잔하게 이어지는 ‘Now my last first kiss....'같은 부분이 앞부분과 대비되어 더욱 임팩트있게 다가오고, 거기서 다시 R&B적인 구성을 통해 순식간에 절정으로 치닫는 전개를 통해 곡의 멜로디가 반복되지 않으면서도 두 번의 절정을 맞이한다. 사운드가 좀더 각자 선명하게 부각됐다면 더 좋았겠지만, ’Last first kiss'는 매끈한 R&B 중심으로 구성되는 이 곡에 좀 더 절실한 감정을 부여한다. R&B 보컬을 바탕으로 하지만 담백하고 허스키한 톤을 가지고 있는 이민우가 자기 발라드를 만들어내는 방법을 보여주는 셈이다.

 이런 이민우의 보컬은 ‘Sometimes'같은 곡에서 또다른 방식으로 적용된다. 다른 곡들에 비해 실제 연주에 가깝게 드럼 사운드를 잡고, 그 위에 실제 베이스와 기타를 더해 곡을 만든 ’Sometimes'는 그만큼 간결하고 여유있는 느낌을 주고, 그 위에서 이민우의 보컬이 곡을 이끈다. ‘하늘 위로 / 날아가는 듯한 이 느낌 / 그 무엇과도 바꿀 수 없는 걸’처럼 같은 리듬을 타면서도 코러스와 메인 보컬에 따라, 그리고 곡의 진행에 따라 점점 진하게 변하면서 경쾌한 곡에 진한 감정을 불어넣는 이민우의 보컬이 이 곡의 포인트다. 특히 이 곡에서 이민우는 자신이 코러스와 보컬을 모두 소화하는데, 메인 보컬은 최대한 진하게 눌러주는 보컬을 소화해 후반으로 갈수록 힘을 더하는 반면, 보컬은 계속 가성에 가까운 가벼운 목소리를 내면서 확실한 대비를 이룬다. 가벼운 분위기로 곡이 시작되지만, 브릿지를 지나면서 점점 격한 감정으로 변한다. 1집에서는 전체적으로 꽉 짜인 사운드와 부드러운 전개로 인해 감정을 드러내는 폭이 적었다면, 2집에서는 심플한 사운드 속에서 보컬의 감정변화를 확실히 드러낸 것이다. 그것이 단지 브릿지와 후렴구의 단순반복정도로 이뤄지는 것은 아쉽지만. 분위기만 다를 뿐 같은 작법의 ‘L.U.V' 역시 비슷한 장점과 단점을 안고 있다. 경쾌한 댄스 비트가 진행되는 가운데 ’You should be my girl...'같은 코러스를 기점으로 순간적으로 강해지기도 하고, 다시 경쾌해지기도 하는 이민우의 보컬은 곡의 흐름을 조절한다. 특히 ‘살며시 다가오는 것을 느껴’에서 얇으면서도 밀도를 유지하면서 쭉 감정을 끌고 나가는 부분은 곡의 분위기를 해치지 않으면서도 보다 로맨틱한 느낌을 불어넣는다. ‘Sometimes'의 목소리와 비교해보면, 이민우가 어떤 곡에서 어떤 방식으로 노래를 불러야 하는지 정확히 알고 있음을 확인할 수 있다. 다만 ’Sometimes'가 그러하듯, 이 곡 역시 브릿지로 한 번 절정에 오른 뒤엔 그 뒤에 기다리는 것이 후렴구의 반복밖에 없다는 것이 문제다.

 그래서 앨범의 실질적인 마지막곡 ‘Sweet sound'는 흥미롭다. 물론 1집 정도로 세밀하고 부드러운 사운드로 구성된 것은 아니지만, 이 곡은 1집과 비슷한 부분이 많다. 기타를 중심으로한 사운드 전개는 다른 곡들에 비해 리듬 프로그래밍의 비중이 줄어든 편이고, 거기에 낮게 깔리는 현악 세션이 첨가되어 곡을 풍성하게 꾸며준다. 그리고 무엇보다도 1집처럼 코러스를 중심으로 곡이 진행되면서 전체적으로 부드럽고 잔잔한 느낌을 준다. ’처음부터 우린 운명처럼 / 처음부터 그렇게도...‘에서 확인할 수 있듯, 이 곡은 후렴구에서도 차분하게 멜로디를 진행하면서 그 차분한 느낌 자체가 곡의 감수성으로 자리잡도록 한다. 그리고 거기에 깔린 리듬 프로그래밍이나 심플한 사운드 사이의 공간들이 만들어낸 차분한 느낌속에서 부각된 보컬이 곡의 감성을 더욱 분명하게 전달하도록 만든다. 즉, 이민우의 1집의 음악들에서 조금씩 드러났던, 그러나 전체적으로 그의 스타일에 묶여 드러나지 않았던 감성들은 비슷한 스타일을 가졌지만 다른 방법론을 가진 2집을 통해 확실하게 드러났다. 1집의 스타일을 통해 가장 잘 보여줄 수 있었던 감성이 오히려 2집을 통해 보다 확실하게 드러난 것이다.

M, Master of My Music ?

 그래서 이민우는 1집과 2집을 모두 들어야 파악될 수 있는 뮤지션이다. 그는 두 장의 앨범에서 모두 자신의 의지대로 일관적인 스타일을 가진 앨범을 만들었다. 그것도 두 번째 앨범에서는 과감하게 1집에서 이룬 것들을 버리면서 앨범을 자기가 원하는 방향으로 만들었다. 그리고 그 결과는 보다 대중적인 성공으로 이어졌다. 그건 단지 2집이 1집보다 상업적이기 때문이 아니라, 1집보다 더 강한 감정적인 호소력이 뒷받침 됐기 때문이다. 필자에게 1집과 2집중 어느 앨범이 더 사운드적인 완성도가 높냐고 묻는다면 그건 1집이지만, 어느 앨범을 더 듣고 싶냐고 묻는다면 2집이다. 비록 어색하고 거친 부분이 있더라도 ‘Bump!'나 ’Girl Friend'의 전주를 떠올리면 곧이어 그 노래의 ‘감성’이 분명하게 떠오르고, 그래서 앨범을 듣기 전 더 기대가 된다. 이민우는 누구나 부인할 수 없는 마스터 피스를 만들어내진 못했을 지라도, 자신의 음악을 자신의 의도대로 통제할 수 있음을 두 차례에 걸쳐 증명했다. 심지어 2집에서는 자신이 타이틀곡을 만들면서까지 말이다. 그는 아마도 HOT 이후 아이돌 그룹 출신의 솔로 가수 중 가장 자기 자신의 음악을 스스로 잘 통제할 수 있고, 그만큼의 결과물을 낼 수 있는 ‘프로듀서’일 것이다. 이제 남은 건 그가 1집과 2집에서 보여준 각각의 특징을 어떻게 통합하느냐는 것이다. 1집의 퀄리티와 2집의 임팩트. 3집의 이민우는 과연 그 두가지를 모두 손에 쥘 수 있을까.

글 : 강명석(lennonej@freechal.com)

2006.02.